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Sabato 6 novembre nel Complesso Monumentale di San Francesco apre al pubblico “La pittura in persona. La nuova Collezione della Fondazione CRC”, evento espositivo nato dalla collaborazione tra Fondazione CRC e Museo d'Arte Contemporanea Castello di Rivoli

Sabato 6 novembre alle 15.30, presso il Complesso Monumentale di San Francesco a Cuneo (via Santa Maria, 10), la mostra “La pittura di persona. La nuova Collezione della Fondazione CRC”, che presenta opere appositamente realizzate per gli spazi della sede espositiva e una selezione di dipinti recenti di oltre 30 artisti emergenti, tutti acquisiti dalla Fondazione CRC negli ultimi anni attraverso il progetto ColtivArte. L'evento espositivo è curato da Carolyn Christov-Bakargiev e Marcella Beccaria, rispettivamente Direttore e Capo Curatore delle Collezioni del Museo d'Arte Contemporanea del Castello di Rivoli. Da martedì 2 novembre alcuni artisti saranno presenti a San Francesco per realizzare ulteriori interventi "site-specific". La mostra, ad ingresso gratuito, sarà accompagnata da un catalogo e resterà aperta al pubblico fino a domenica 6 marzo 2022, dal martedì al sabato dalle 15.30 alle 18.30, la domenica dalle 10.30 alle 18.30. Per maggiori informazioni telefonare allo 0171/452711 o scrivere a info@fondazionecrc.it.

Le opere in mostra sono state scelte tra le acquisizioni effettuate dalla Fondazione CRC negli ultimi anni su proposta di una commissione di esperti presieduta dal Direttore del Castello di Rivoli, Carolyn Christov-Bakargiev, e composta da Guido Curto, Direttore del Consorzio delle Residenze Sabaude Reali, e Chus Martínez, Direttore dell'Istituto d'Arte dell'Accademia di Arte e Design FHNW di Basilea. La selezione in mostra è un ideale percorso rappresentativo delle nuove tendenze globali dell'arte contemporanea internazionale, con particolare attenzione all'uso della pittura come linguaggio espressivo con l'obiettivo di sottolinearne la vitalità e la forza propositiva anche rispetto alle complesse sfide poste da mondo contemporaneo. Corpo fisico, ingombro dello spazio, matericità tattile e persino profumo specifico della tecnica pittorica sono gli elementi materici che i curatori hanno scelto di evidenziare anche per rispondere alla pervasività della mediazione digitale e della smaterializzazione che ha connotato molti aspetti della vita quotidiana nei mesi di pandemia.

“Attraverso la nostra collezione, dal 1992 ad oggi abbiamo unito diverse forme espressive e artistiche e negli ultimi anni, grazie al progetto ColtivArte, ci siamo concentrati in particolare su artisti emergenti, che stanno seguendo nuove strade nel mondo dell'arte. “Dipingere di persona”, all'interno di un originale percorso pensato per i magnifici spazi del Complesso Monumentale di San Francesco a Cuneo, offre a tutti gli appassionati la possibilità di avvicinarsi a queste opere di giovani talenti e scoprire alcuni interventi artistici site specific inediti, progettati per l'occasione. Un ulteriore tassello del percorso intrapreso da anni per consolidare il ruolo di Cuneo come centro di produzione artistica di alto livello, capace di attrarre turisti interessati ad un'offerta culturale d'avanguardia di grande pregio” commenta Ezio Raviola, Vice Presidente della Fondazione CRC.

Carolyn Christov-Bakargiev, Direttore del Museo d'Arte Contemporanea del Castello di Rivoli afferma: “Nella nostra epoca, viceversa, la rivoluzione tecnologica e digitale ha provocato ancora una volta un cambiamento nel significato e nel ruolo della pittura. Per gli artisti contemporanei dipingere e non lavorare su opere digitali è una scelta di obsolescenza intenzionale: un dipinto è un'opera unica, non moltiplicabile come le immagini diffuse sui social e non può essere vissuta nella sua pienezza attraverso il digitale. Questa scelta non è poi così lontana dal pensiero di Friedrich Nietzsche che alla fine dell'Ottocento scrisse le Considerazioni inattuali (1873-1876), incentrate sull'attualità dell'inattualità. D'altra parte, il pittore entra ora a stretto contatto con la pittura e con l'immagine che crea, divenendo interprete di fisicità e di “essere incorporato”.

Gli artisti che espongono in mostra sono stati scelti per valorizzare la creatività del territorio locale e italiano, nonostante la presenza di alcuni autori di altri paesi. La mostra propone anche nuove commissioni progettate per gli spazi della Chiesa di San Francesco da alcuni giovani artisti che sono stati invitati a dipingere su pareti temporanee autoportanti realizzate per l'occasione. Le nuove commissioni sono state realizzate da Guglielmo Castelli (Torino, 1987), Alex Cecchetti (Terni, 1977), Claudia Comte (Grancy, 1983), Francis Offman (Butare, Rwanda, 1987), Giuliana Rosso (Torino, 1992), Elisa Sighicelli (Torino, 1968) e Alice Visentin (Ciriè, Torino, 1993).

In mostra anche opere di Nora Berman (Los Angeles, 1990), Valerio Berruti (Alba, 1977), Rossella Biscotti (Molfetta, Bari, 1978), Anna Boghiguian (Il Cairo, 1946), Sol Calero (Caracas, 1982), Ludovica Carbotta (Torino, 1982), Manuele Cerutti (Torino, 1976), Barbara De Vivi (Venezia, 1992), Patrizio Di Massimo (Jesi, 1983), Camille Henrot (Parigi, 1978), Anne Imhof (Gießen, 1978), Andrea Massaioli (Torino, 1960), Elena Mazzi (Reggio Emilia, 1984), Daniele Milvio (Genova, 1988), Ad Minoliti (Buenos Aires, 1980), Seth Price (Gerusalemme, 1973), Mathilde Rosier (Parigi, 1973), Giangiacomo Rossetti (Milano, 1989), Lin May Saeed (Würzburg, 1973), Erik Saglia (Torino, 1989), Ania Soliman (Varsavia, 1970), Victoria Stoian (Chișinău, 1987) Sarah Sze (Boston, 1969), Paolo Turco ( Cuneo, 1981) e Xa Zadie (Vancouver, 1983).

Durante il periodo di apertura della mostra verrà sviluppato un ricco calendario di eventi collaterali, in particolare visite condotte da guide turistiche ed esperti di arte contemporanea, che creeranno specifici percorsi tematici di visita, aiutando a chiarire le ispirazioni degli autori anche a chi non ha una conoscenza specifica dell'arte contemporanea. Nelle prossime settimane sarà inoltre lanciato un programma di visite guidate e attività didattiche.

Il progetto ColtivArte della Fondazione CRC nasce nel 2017 dalla volontà di scoprire patrimoni "nascosti" e valorizzare il talento di artisti emergenti con l'acquisizione di opere d'arte e la creazione di occasioni di fruizione dell'arte per la collettività attraverso mostre e eventi. Attraverso il supporto di una commissione scientifica di alto profilo, presieduta dal Direttore del Castello di Rivoli, Carolyn Christov-Bakargiev, e composta da Guido Curto e Chus Martínez, sono stati individuati artisti contemporanei su cui investire. In questo modo l'istituzione ha quindi rilanciato il suo ruolo di promotrice delle arti, arricchendo la sua collezione che comprende oltre 700 opere e offrendo al pubblico l'opportunità di ammirarla ancor prima della mostra “La pittura di persona. La nuova Collezione della Fondazione CRC”. Alcune di queste opere sono infatti in comodato d'uso nei musei del territorio, mentre quelle esposte nella sede sono state al centro delle visite programmate durante l'annuale manifestazione “Invito a palazzo”. in queste occasioni il pubblico ha potuto ammirare lo storico edificio in cui hanno sede gli uffici della Fondazione CRC, uno dei massimi esempi di architettura nobiliare del Settecento cuneese, nonché le oltre 100 opere esposte.

Ruffles, 2016 inchiostro, olio e pastello su mussola, 116 x 169 cm

Nora Berman è nata nel 1990. Vive e lavora a New York. In seguito all'acquisizione del suo lavoro da parte della Fondazione CRC, Berman è stata invitata a presentare il suo lavoro nell'ambito della mostra collettiva GENNAIO (2019) presso lo spazio annesso a Bruxelles.

Pittura, performance e spiritualità si incontrano nell'opera di Nora Berman. La sua pratica è "un esercizio di lettura delle foglie di tè della pittura postmoderna". Non esiste una risposta corretta, e se ci fosse sarebbe senza conseguenze per il futuro.

Le visioni colorate di Berman evocano trasformazioni magiche, figure ultraterrene che nascono dalla sua coscienza artistica. I suoi corpi sono simboli sul piano astrale dotati di una strana agenzia che sfugge alle offerte della coscienza che li ha prodotti, riprodotti attraverso accoppiamenti umani e non umani.

PGR (per grazia ricevuta), 2008-2016 pastello ad olio, smalto oro, carta e cornici antiche 16 elementi, varie dimensioni, dimensioni totali ca. 180 x 300 cm

Valerio Berruti è nato ad Alba, Piemonte, nel 1977. Vive e lavora ad Alba. Nel 1995 acquista e restaura una chiesa seicentesca a Verduno, Cuneo, che utilizza come studio. A seguito dell'acquisizione della sua opera da parte della Fondazione CRC, Berruti ha partecipato alle seguenti mostre: Endless Love (2018), presso l'Istituto Italiano di Cultura di Los Angeles; Polis (2018), a cura di Angela Vettese, Palazzo d'Accursio, Bologna. Nell'ottobre 2019, Berruti ha presentato al MAXXI di Roma La giostra di Nina, progetto cinematografico composto da circa 3000 disegni fatti a mano uniti in sequenza per diventare fotogrammi di un video, con musiche di Ludovico Einaudi e prodotto da SKY ARTE con il supporto di Film Commission Torino Piemonte - Fondo Cortometraggi sponsor unico Lavazza.

Riguardo ai suoi soggetti, l'artista dichiara: “Ho sempre disegnato solo esseri umani. Sono interessato all'uomo. Ho capito che il periodo della vita in cui siamo tutti uguali è l'infanzia. Lo spettatore deve riconoscersi nei miei lavori, quindi inizia il lavoro concettuale che è nel mio lavoro. Se ti riconosci nel mio lavoro, inizia un dialogo profondo tra te e me. "

Live Feed, serigrafia 2019 su cotone e gomma, misura tessuto ca. 4000 x 160 cm

Acquerello senza titolo su carta di riso, 60 x 47 cm

Rossella Biscotti è nata nel 1978 a Molfetta, Bari. Vive e lavora a Rotterdam. Rossella Biscotti usa il montaggio per rivelare le narrazioni individuali e il loro rapporto con la società. Biscotti ha tenuto diverse mostre personali in istituzioni italiane e straniere e ha partecipato, tra le altre, alla 55° Biennale di Venezia, alla Biennale di Istanbul (2013), dOCUMENTA (13), Kassel e Manifesta 9, Genk (2012). Ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti alla carriera, tra cui il Premio Fondazione Strozzina di Firenze (2009), il Premio Italia Arte Contemporanea, il Premio Michelangelo (2010) e il Premio Quadriennale 2016. Nel 2018, Biscotti ha presentato la sua video installazione The City, al Kunsthaus Baselland. Nella primavera del 2019 la Fondazione Antonio Ratti ha presentato Clara and Other Specimens a cura di Lorenzo Benedetti. In Live Feed (2019) il gigantesco amorfofalo di titanio, noto soprattutto come "fiore cadavere" per il suo profumo di carne in decomposizione, è ripetutamente serigrafato su cotone e drappeggiato su cinque pali d'acciaio ancorati con corde di gomma. Tracciando ancora una volta un collegamento con un altro meccanismo del colonialismo - la spettacolarizzazione dell'esotico, il titolo dell'opera si riferisce alle molteplici alimentazioni vive visibili di questo fiore, che sboccia all'incirca ogni dieci anni e appassisce dopo appena dodici ore. .

Anna Boghiguian (Il Cairo, 1946) Senza titolo (Senza titolo), 2008 acrilico su tela, 100 x 100 cm

Anna Boghiguian è nata nel 1946. Vivendo una vita nomade, l'artista si è costantemente spostata tra diverse città del mondo, dall'Egitto al Canada e dall'India alla Francia. Disegni, installazioni e oggetti di grandi dimensioni costituiscono la sua personale ricerca su ciò che forma la cultura. Le opere grafiche di Boghiguian sono antiestetiche e dionisiache poiché privilegiano una comunicazione visiva e verbale immediata ed emozionale rispetto a un'esecuzione accademica, legata a un concetto di bellezza classica e apollinea. Dal 2011 in occasione della Biennale di Sharjah e da dOCUMENTA (13) a Kassel nel 2012, i suoi taccuini sono entrati a far parte di installazioni tra strutture architettoniche e ambienti percorribili, quasi fossero dei giganteschi libri “pop-up”, in cui spazio è vissuto come una sfera continua di piegarsi e dispiegarsi. Nel 2017 ha inaugurato la prima retrospettiva italiana di Boghiguian nella Manica Lunga del Castello di Rivoli, a cura di Carolyn Christov-Bakargiev e Marianna Vecellio, a cui nel 2019 è seguita la prima retrospettiva negli spazi della Tate St Ives, UK con Anne Barlow. Per questa mostra, Boghiguian ha creato una nuova opera ispirata alla storia industriale della Cornovaglia; con caratteri, processi e materiali tratti dalle industrie minerarie e della pesca.

Osservatrice empatica della condizione umana, nelle sue opere Boghiguian offre un'interpretazione unica della vita contemporanea, tra passato e presente, poesia e politica, sguardo felice e osservazione critica del mondo. Le sue opere uniscono un'umanità dispersa, sofferente e nomade, vittima della storia e dei suoi conflitti.

Sol Calero (Caracas, 1982) Corazòn (Cuore/Cuore), 2018 legno, pittura acrilica, foglia oro, specchi, mosaico, lastre di rame, lastre di metallo e perline di plastica, 148 x 152 cm

Mano (Hand), 2018 legno, pittura acrilica, mosaico, fogli di rame, fogli di metallo e perline di plastica, 297 x 152 cm

Sol Calero è nato a Caracas nel 1982. Vive e lavora a Berlino. Sono pochissimi gli artisti in Sud America che riescono a condensare idee e linguaggi artistici dall'artigianato tradizionale nelle loro opere come fa Calero. Ma anche così facendo, Calero esercita una critica ai valori imposti dall'avanguardia geometrica che ha definito il modernismo nel mondo accademico e nelle istituzioni artistiche. Nel 2017 è stata nominata per il Preis der Nationalgalerie in collaborazione con l'Hamburger Bahnhof di Berlino. Nel 2018 ha presentato la mostra Casa Isadora al Brüke Museum di Berlino. Nel 2019, la Tate Liberpool ha ospitato una sua mostra personale intitolata El Bus. Kunsthal Extra City ha sempre inaugurato la mostra personale di Calero ad Anversa nel 2019. Il lavoro di Sol Calero è una riflessione sui codici culturali, gli ambienti comunitari e la produzione di immagini in America Latina e nelle comunità latinoamericane che vivono in migrazione. Spaziando dai metodi tradizionali di creazione artistica come il disegno e la pittura, al video, agli oggetti trovati, ai lavori in tessuto e alle pratiche artigianali, le opere emergono da una concezione sincretica dell'arte al crocevia di culture, identità ed esperienze diverse, ispirate alla migrazione personale di Calero dalla sua città natale a Caracas, in Venezuela, alla sua attuale casa a Berlino. “Non importa da dove vieni, quando ti trasferisci in un nuovo paese ti trovi di fronte a chi eri e chi diventerai. È come se tu fossi costretto a dimenticare da dove vieni per 'integrarti'... Se dopo tanto tempo non puoi tornare nel luogo dove sei nato, anche il ritratto di questo luogo dall'esterno potrebbe influenzare il modo in cui ti vedi", dice l'artista.

Ludovica Carbotta (Torino, 1982) Got the Void (01) (Ottenuto il vuoto - 01), 2014 marmo bianco di Carrara, 80 x 60 x 60 cm

Got the Void (02) (Got the Void - 02), 2014 marmo bianco di Carrara, 80 x 60 x 60 cm

Ludovica Carbotta è nata a Torino nel 1982. Vive e lavora a Torino. La sua produzione comprende scultura, disegno, performance, architettura e scrittura. Per mettere in discussione lo spazio che ci circonda, Ludovica Carbotta adotta il suo corpo come misura, come filtro. L'anno successivo all'acquisizione delle sue opere da parte della Fondazione CRC, Carbotta è stata invitata dalla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo a concepire la mostra personale dal titolo Monowe, un progetto evolutivo, in corso dal 2016, che vede l'artista coinvolta nell'ideazione e costruzione di un città ideale. Nel 2019 è stata una delle uniche due artiste a rappresentare la ricerca artistica italiana alla 58° Biennale di Venezia, invitata da Ralph Rugoff per due interventi all'Arsenale e al Forte Marghera.

Nel settembre 2019 ha preso parte all'Alba Congress For an Imaginist Renewal of the World, a cura di Carolyn Christov-Bakargiev e Caterina Molteni.

L'artista dichiara: “Le cave sono per alcuni una miniera d'oro, per altri la massima espressione della devastazione sulla natura provocata dall'uomo. Per altri ancora è la sfida sublime tra l'immaginazione umana e il soprannaturale. Secondo me è una grande scultura a cielo aperto. Camminare fisicamente in questo paesaggio diventa un'occasione per esplorare il rapporto tra pieno e vuoto attraverso il processo di fusione e impronta. Guardando il Monte Serrone, apparentemente intero visto dal centro di Carrara, ma scavato sugli altri lati, ho lavorato su un modello in scala della parte mancante in negativo, quella scavata dall'estrazione. Ho così prodotto realizzando due sculture teoricamente corrispondenti alle pareti esposte a sud-est e nord-est”.

Guglielmo Castelli (Torino, 1987) Vizi compensativi, 2020 tecnica mista su tela, 180 x 130 cm

Guglielmo Castelli è nato a Torino nel 1987, dove attualmente vive e lavora. Nel 2013 si diploma in Scenografia all'Accademia Albertina di Belle Arti di Torino, sviluppando un'attitudine verso la “mise en scène”. Nel 2011 la sua prima mostra personale alla galleria Il Segno di Roma. Nel 2013 è tra i finalisti del Prix Canson, invitato a partecipare a una mostra collettiva al Petit Palais di Parigi. Nel 2014 è tra i finalisti del premio VAF Foundation ed espone alla Schauwerk Sindelfingen di Stoccarda e alla Stadtgalerie di Kiel. 2014 è in residenza al MACRO di Roma. Nel 2015 ha vinto il premio speciale per la sezione Pittura del Combat Prize, e nel 2016 la rivista statunitense Forbes lo ha inserito tra i trenta artisti visivi under trenta più influenti in Europa. Tra il 2017 e il 2018 è a Berlino per una residenza d'artista presso la Künstlerhaus Bethanien. Nel 2020 è tra i finalisti del Premio Cairo e vincitore del Premio Ettore Fico. Ha partecipato alla Quadriennale d'Arte, Roma, 2020. Nelle opere recenti di Guglielmo Castelli il modo di trattare lo sfondo è consapevole e strutturato: le figure sono collocate all'interno di spazi psicologici, attraversate da forze e dinamiche alle quali possono invece resistere o arrendersi. In queste ultime opere si interroga così sul rapporto tra spazio interno ed esterno, viscere e ambiente, ribaltando i precetti della pittura rinascimentale, con il suo sistema di rigide relazioni geometriche e razionali e proiettando la propria ricerca in un nuovo campo di possibilità. L'opera Vizi compensatori pone la soggettività pittorica al centro dell'opera. L'uso di una pittura che tratteggia volutamente forme liquide dissolve l'ipotesi di una narrazione riconoscibile in un universo onirico, abitato da forme indefinite.

Alex Cecchetti (Terni, 1977) Imbottito di erbacce, 2019 dipinti ad olio su lino e cotone imbastiti con fili di seta naturale, 360 x 225 cm

Farcito di erbacce disegno preparatorio e documentazione, acquerello 2019, straccio per pennelli e fotografie, acquerello 31 x 41 cm, dimensioni totali ca. 70 x 70 cm

Alex Cecchetti è un artista, poeta e performer italiano con sede a Parigi. È particolarmente interessato all'intelligenza delle piante e alle relazioni tra umani e non umani. Le performance di Cecchetti sono state presentate nei musei di tutta Europa, tra cui il Centre Pompidou e il Palais de Tokyo di Parigi, il MAXXI di Roma, Serralves di Porto, le Serpentine Galleries di Londra. Cecchetti ha recentemente presentato alla Triennale di Milano la sua performance Walking Backwards.

L'opera Imbastito d'erbacce nasce per rendere omaggio alla Collezione Cerruti, che ha aperto i battenti la scorsa primavera 2019 a Rivoli come nuovo polo del Museo d'Arte Contemporanea del Castello di Rivoli. Cecchetti si è concentrato sul giardino di Villa Cerruti, interessandosi a quelle piante spontanee che, nonostante ogni ostinazione estetica, periodicamente ricompaiono nei giardini. Le diverse parti dell'imbastitura sono dipinte secondo i diversi stili degli artisti presenti nella Collezione Cerruti.

L'artista come disegno preparatorio ha proposto un assemblaggio che evoca il più possibile l'intero processo creativo che sta dietro al suo Imbastito d'erba (2019). L'installazione comprende un disegno preparatorio dell'intera installazione Imbastito d'erba, due fotografie dei lavori in corso (ancora da selezionare), una tela che si è prestata all'esecuzione dell'intera opera. Il tutto è pensato per essere incorniciato insieme.

Manuele Cerutti (Torino, 1976) Motus naturalis, 2017-2018 olio su lino, 240 x 325 cm

Manuele Cerutti si è diplomato all'Accademia Albertina di Belle Arti di Torino. Le sue opere sono state presentate in numerose mostre istituzionali, tra cui il Wilhelm Hack Museum e lo Stadtmuseum Oldenburg in Germania, l'Istituto Italiano di Cultura di Londra e la GAM di Torino. Nel 2004 è stato insignito del premio Illy Present Future. Attualmente vive e lavora a Torino. I dipinti di Cerutti si collocano al crocevia tra la storia dell'arte e il desiderio dell'artista di riscoprire l'essenza dell'oggetto. Pietre, ossa e frammenti di metallo, raccolti negli anni dall'artista, rimangono dormienti nel suo studio, fino a trasformarsi da forme inerti in opere d'arte sulle sue tele. I suoi dipinti richiamano la stratigrafia; dove tra diversi strati è possibile scorgere presenze evanescenti nei suoi dipinti. Spesso queste presenze sono soggetti umani ritratti nell'atto di sorreggere o contemplare l'oggetto, vero fulcro verso cui punta l'intera composizione. Nel contesto delle sue opere i ruoli sono sovvertiti: l'essere umano non emerge più come protagonista, è piuttosto l'oggetto che rivendica il suo status di uguale all'Uomo.

Questa grande tela (la più grande mai realizzata dall'artista), è stata esposta nel marzo 2018 nella mostra Motus naturalis, immaginata da Manuele Cerutti a Guido Costa come una sorta di riflessione cosmogonica in forma di pittura su alcuni frammenti di Empedocle. "L'opera - dichiara Costa - oltre a racchiudere molti degli elementi tipici della pittura di Cerutti, dal cromatismo crepuscolare, alla pietas per oggetti umili, governati dal loro precario equilibrio, si muove definitivamente in nuovi territori, nutrita dal pensiero, dall'iconologia e una personale reinterpretazione delle forme classiche.Se l'immagine, come sempre accade nella sua pittura - una figurazione fatta di enigmi, sospesa in una sorta di stupore metafisico - è ancora una volta carica di mistero, la molteplicità degli elementi che la compongono, le loro reciproche relazioni e il gioco controllato finito e incompiuto, suggeriscono qualcosa in più, introducendoci a una complessità superiore, tutta da indagare”.

Claudia Comte (Grancy, 1983) Turn and Slip 200, bianco e nero, 2/4 medio chiaro (Turn and Slip 200, bianco e nero, 2/4 medio chiaro), 2019 acrilico su tela, ⌀ 200 cm

Claudia Comte è nata a Grancy nel 1983. Ha completato i suoi studi superiori presso l'ECAL - Ecole cantonale d'art di Losanna, per poi completare la sua carriera accademica presso l'Haute Ecole Pédagogique. Le mostre personali recenti includono How to Grow e Still Stay the Same Shape, mostra personale al Castello di Rivoli (in corso) e I have grower taller from standing with Trees at Copenhagen Contemporary, 2019; The Morphing Scallops alla Gladstone Gallery di New York, 2019; Claudia Comte: Electric Burst (Lines and Zigzags) al Contemporary Art Museum St. Louis (Missouri), 2018 e nello stesso anno Zigzags and Diagonals al Museum of Contemporary Art Cleveland (Ohio). Nel 2017, Comte ha presentato 10 Rooms, 40 Walls, 1059 m2 al Kunstmuseum Luzern, a Lucerna e La Ligne Claire da Basement Rome. I suoi lavori sono stati anche inclusi in mostre collettive, la più recente è Hot Saw - Electric Power alla Kunsthalle di Basilea, 2018; The Primary Fondue Party evento collaterale alla 57. Esposizione Internazionale d'Arte - La Biennale di Venezia, 2016, al Salon Suisse: ATARAXIA e ancora The Language of Things organizzato dal Public Art Fund, al City Hall Park di New York.

Claudia Comte rivisita la storia delle forme, con riferimenti che spaziano dalla scultura della prima metà del Novecento (Hans Arp, Constantin Brancusi, Barbara Hepworth, ecc.) ai movimenti artistici della metà del secolo e oltre (arte concreta, op. arte, pop art, ecc.), ma anche alla cultura vernacolare e popolare (cinema, cartoni animati, ecc.). Li mette in relazione tra loro mentre crea un nuovo sistema visivo. La sua predilezione per il legno come materiale principale, su cui lavora con una motosega, affonda le sue radici negli anni della sua infanzia trascorsi in un villaggio vicino a un bosco. Comte sottolinea la vicinanza alla natura e una finitura artigianale nelle sue opere. Che siano organici o geometrici, questi sono spesso collocati in un potente ambiente grafico, come nel caso dei dipinti murali con motivi op art, o una serie di dipinti su barelle.

Turn and Slip fa parte di una serie di dipinti circolari realizzati con un pennello la cui larghezza corrisponde al raggio del supporto, che si applica con un solo movimento della mano. Lo scarico progressivo della vernice produce striature nere e poi bianche. Come nella sua pratica, l'artista esplora la dimensione casuale di un metodo compositivo che, in linea di principio, richiede un'applicazione scrupolosa. La condizione pittorica dell'astrazione è ridotta a un protocollo, la cui esecuzione è calibrata da uno strumento, un gesto e un supporto geometrico, e quindi dai "giri" e "scivolamenti" del pennello citati nel titolo.

Barbara De Vivi (Venezia, 1992) Festa in piscina 2, 2020 tecnica mista su tela, 180 x 150 cm

Barbara De Vivi è nata nel 1992 a Venezia, dove vive e lavora.

L'artista trova i suoi riferimenti nei dipinti e nei racconti relativi alla mitologia, alle antiche leggende e nelle fotografie legate alla propria esperienza. Attraverso il disegno si appropria di queste immagini compilando un archivio personale da cui emergono analogie tra temi lontani che De Vivi rende visibili attraverso la pittura. Sulla tela alcune storie si sovrappongono, altre sono offuscate da altre, eppure rimane solo un dettaglio.

Barbara De Vivi compie i suoi studi presso l'Accademia di Belle Arti di Venezia dove nel 2018 consegue il diploma di secondo livello. Durante i suoi studi ha preso parte al progetto Erasmus studiando presso l'Universidad Complutense di Madrid. Nel 2017 vince uno studio d'artista presso la Fondazione Bevilacqua La Masa e il Premio Combat, sezione pittura; nel 2018 il Premio Euromobil Under 30.

Dice l'artista: “Nella pittura cerco la possibilità di sviluppare una narrazione libera dall'obbligo dello sviluppo temporale e dalla rigidità del linguaggio verbale. Descrivo storie che, pur facendo riferimento a un patrimonio culturale condiviso, rimangono aperte e ambigue collegando le mie esperienze personali e i temi iconografici tradizionali. Affidandomi all'intuizione analogica, cerco nella storia dell'arte e della letteratura il modo di dare forma al mio presente e alle mie esigenze di vita.

Quando inizio un nuovo dipinto, disegno rapidamente l'intera composizione. La prima bozza è quella che definirà il carattere dell'opera e richiede da parte mia massima concentrazione e coinvolgimento. Entro quindi in una fase più riflessiva in cui strutturi le figure in modo più accurato. Seguendo quanto mi suggerisce il lavoro, capita che cambio progetto anche in maniera sostanziale. Non cerco di nascondere ripensamenti e cambiamenti che, stratificandosi, accrescono la ricchezza della narrazione presentando soluzioni inaspettate.

Traggo la maggior parte dei miei riferimenti iconografici dai modelli tradizionali della storia dell'arte e della letteratura. Nei miei lavori i topoi classici interagiscono con un immaginario contemporaneo legato alla moda, ai social media e alle mie istanze personali. Sulla tela compongo una narrazione creando nuove connessioni tra questi frammenti decontestualizzati. "

Patrizio Di Massimo (Jesi, 1983) Mai più pannolini, 2020 olio su lino, 137 x 112 cm

Patrizio Di Massimo è nato a Jesi nel 1983. Vive e lavora a Londra.

Attraverso il suo lavoro, in cui ritrae se stesso, la famiglia o cari amici, Di Massimo racconta la quotidianità, spesso fatta di ambivalenze, sogni e teatralità.

Diplomato alla Slade School of Art di Londra, vanta tra le sue mostre personali: ChertLüdde, Berlino (2018), Rodolphe Janssen, Bruxelles (2017), NICC, Bruxelles (2016), Monteverdi, Toscana (2015), T293, Roma ( 2014), Kunsthalle Lissabon, Lisbona (2014), Gasworks, Londra (2013), Villa Medici, Roma (2012).

Negli ultimi anni la pratica figurativa di Di Massimo si è concentrata sul rapporto tra tecnica pittorica e soggetti. In particolare, l'artista si interroga sull'idea del ritratto come veicolo di espressione e rappresentazione di determinati stati d'animo, dialogando con importanti riferimenti della pittura storica e novecentesca - tra questi, Giorgio de Chirico, Otto Dix e il movimento tedesco della Nuova Oggettività. A volte solitari, più spesso affollati, i dipinti di Di Massimo ritraggono personaggi al culmine di una metamorfosi emotiva che li ha trasformati in espressioni estreme di sé stessi, articolando rapporti paradossali tra identità individuali e collettive. Finora Di Massimo ha ritratto dal vivo solo le persone a lui vicine, come la sua famiglia e gli amici. Per questo nuovo progetto l'artista ha coinvolto per la prima volta estranei, conosciuti o anonimi, mossi dal desiderio di offrire attraverso la sua opera una rappresentazione corale della comunità locale.

Camille Henrot (Parigi, 1978) Anger Management, 2015 acquerello su carta montata su alluminio, 203,2 x 152,4 cm

Camille Henrot è nata nel 1978. Vive e lavora a New York. L'arte di Henrot nasce da un intenso processo di ricerca sulla storia dell'universo, sulla natura del mito e sui limiti della conoscenza umana. Nel 2013, Henrot è stato insignito del Leone d'argento alla 55a Biennale di Venezia. Nell'autunno del 2017, lo stesso anno in cui la Fondazione CRC ha acquisito il suo lavoro, Henrot ha presentato la sua ricerca in una grande mostra personale intitolata Carte blanche al Palais de Tokyo di Parigi. Le successive mostre personali includono Stepping on a Serpent (2019) alla Tokyo Opera City Art Gallery. Sempre nel 2019, Henrot ha presentato al pubblico del Castello di Rivoli l'opera Maison absolue (2019) realizzata nell'ambito di Dagli artisti: dalla casa al museo, dal museo alla casa. Omaggi alle opere della Collezione Cerruti. Capitolo 1. Nel 2020 espone alla National Gallery of Victoria, Melbourne.

Camille Henrot indaga le relazioni e i diversi sistemi di conoscenza dal punto di vista della nostra era digitale. Dopo aver studiato animazione all'École des Arts Décoratifs di Parigi, ha lavorato nel campo della televisione. Acclamata dalla critica per il video Grosse Fatigue (2013) che le è valso il Leone d'argento alla 55a Biennale di Venezia, la pratica di Henrot spazia dalla pittura, al cinema, all'installazione, alla performance, al disegno e alla scultura e trae ispirazione da varie fonti: dalla letteratura al cinema, biologia evolutiva alla religione ai banali eventi della vita quotidiana. Le sue opere esprimono una gioia espressiva che ricorda l'infanzia sia nella linea fluida organica che nei colori pastello utilizzati. Henrot riconsidera l'oggetto artistico e, analizzando i modi in cui le culture si rappresentano storicamente sotto forma di mitologie o di beni materiali che producono, indaga i vari sistemi di conoscenza. Henrot traccia in modo stilizzato e veloce le sagome degli animali, appiattite su fondali, con grandi pennellate di diversi colori pastello. Suggerisce quindi come le aspettative umane si proiettano sugli animali e, viceversa, gli aspetti animali sugli esseri umani.

Anne Imhof (Geißen, 1978) Untitled (Faust) (Untitled - Faust), 2018 acrilico, serigrafia e olio su tela, 234 x 318 cm

Anne Imhof è nata nel 1978 a Geißen, in Germania. Attualmente lavora a Francoforte sul Meno. Imhof ha studiato con l'artista Judith Hopf alla Städelschule, laureandosi nel 2012. Dopo la laurea, ha tenuto diverse mostre personali, tra cui DEAL (2015) al MoMA PS1 di New York e Angst II all'Hamburger Bahnhof di Berlino (2016). La sua performance Faust (2017) è stata premiata con il Leone d'Oro per la migliore partecipazione nazionale al Padiglione Tedesco alla 57a Biennale di Venezia. La sua nuova mostra e performance itinerante Sex, andata in scena a fine marzo 2019 alla Tate di Londra, e poi presentata all'Art Institute of Chicago fino all'inizio di luglio, è ospitata nel 2020-21 al Castello di Rivoli. In questo lavoro, Anne Imhof parte da un ritratto dell'artista Eliza Douglas, protagonista di molte mostre di Imhof, tra cui Faust, l'opera di cinque ore inaugurata nel padiglione tedesco nel 2017. Nella foto, la parte superiore del il corpo nudo del Douglas è mezzo nascosto dalla sua gamba; una lettera A tatuata appare sulla sua spalla; la sua bocca è aperta, forse sta cantando. Eppure il suo sguardo è provocatoriamente rivolto direttamente allo spettatore. La stampa si basa su una fotografia scattata da Nadine Fraczkowski durante le prove del Faust. Imhof e Douglas hanno uno status pubblico quasi mitico come partner; dalle loro varie attività nel complesso industriale della moda al coautore di opere d'arte e alla stretta collaborazione di Douglas nella realizzazione delle performance di Imhof, il loro rapporto è tanto personale quanto professionale. La centralità di Douglas in questo lavoro è quasi simile a quella data a una celebrità - una nozione che si materializza ulteriormente nelle tele serigrafate warholiane del volto di Douglas, la bocca aperta in un silenzioso grido gutturale. Il suo status attribuito - qui alla pari con artisti del calibro di Marilyn Monroe - è una testimonianza della visione di Douglas Imhof non solo come suo amante ma come figura iconica. Mentre Douglas è probabilmente una visione della creazione di Imhof, anche Imhof è diventata una star in presenza della sua aura. A differenza di Marilyn di Warhol (1962), in cui una serie di colori si trasforma lentamente in stampe in bianco e nero sbiadite, alludendo simbolicamente al tragico epilogo di Marilyn, Imhof qui rende il ritratto di Douglas solo in scala di grigi, creando una sensazione di tragedia perpetua.

Andrea Massaioli (Torino, 1960) Panna e Snaache, 2005 ceramica, 16 x 22 x 12,5 cm

Lumaca, paesaggio, notte (Slug, paesaggio, notte), 2011 olio su tela, 200 x 300 cm

Andrea Massaioli, è nato nel 1960 a Torino. Vive e lavora a Torino. Attraverso i linguaggi della pittura e della scultura, l'artista rivisita i loro "generi" e "tecniche" in chiave lirica e poetica, a volte in modo visionario, ispirandosi alla propria mitologia individuale. Negli ultimi anni Massaioli è stato invitato a partecipare a diverse collettive nazionali e internazionali tra cui: What can we see from silk road (2017), 7th Beijing International Art Biennal, National art Museum of China; QUI (2017) alla Cavallerizza Reale di Torino.

Dice l'artista: “Riuscire ad ottenere la crema di ceramica è un'operazione altamente alchemica, bisogna attraversare diversi stati della materia, rendere la terra liquida ma non troppo, eliminare le bolle d'aria. Si tratta di una tecnica molto particolare, volta ad ottenere una superficie lucida, luminescente e molto pregiata attraverso varie cotture (terzo fuoco). Generalmente gli elementi naturali sono il punto di partenza, ma sono sempre collegati ad un elemento biografico, una natura che non solo mi circonda, ma di cui partecipo, in qualche modo ne sono investito.

Le lumache - in particolare le lumache, non le lumache - trovate nel mio giardino, appartengono allo splendore di un sottobosco da riscattare, nella preziosità della forma e nella sostanza filosofica dell'Essere. Come in un curioso ossimoro, lumache e panna si uniscono, tra splendore e repulsione, in un imprevedibile mutamento di significato, cromatico e gustativo, solido e liquido, giocoso e metafisico”.

Elena Mazzi (Reggio Emilia, 1984) Drago delle nevi, arazzo 2019, plastica riciclata (60%) e fibre naturali (40%), 184 x 230 cm realizzato in collaborazione con Giovanni Bonotto

Elena Mazzi è nata nel 1984 a Reggio Emilia. La sua poesia riguarda il modo in cui l'essere umano decide di operare al suo interno, determinando un cambiamento. Seguendo principalmente un approccio antropologico, questa analisi indaga e documenta un'identità sia personale che collettiva, relativa a uno specifico territorio e che dà origine a diverse forme di scambio e trasformazione. Le sue opere sono state esposte in mostre personali e collettive, tra cui: Galleria Whitechapel a Londra, GAMeC a Bergamo, MAMbo a Bologna, AlbumArte a Roma, Sonje Art Center a Seoul, Palazzo Fortuny a Venezia, Fondazione Golinelli a Bologna, Centro Pecci a Prato , 16a Quadriennale di Roma, GAM di Torino, 14a Biennale di Istanbul, 17a Biennale del Mediterraneo BJCEM, Padiglione Fittja durante la 14a Biennale di Architettura di Venezia, COP17 a Durban, Istituto Italiano di Cultura a New York, Bruxelles e Stoccolma, XIV BBCC Expo a Venezia, Bevilacqua La Masa Fondazione. Ha partecipato a diversi programmi di residenza tra cui ZK/U a Berlino, HIAP a Helsinki, Guilmi Art project in Abruzzo, Via Farini a Milano, Fundacion Botin in Spagna, Fondazione Bevilacqua La Masa a Venezia, Future Farmers AIR a San Francisco, Spinola Banna per l'arte, Botkyrka AIR a Stoccolma. È vincitrice, tra gli altri, del XVII Premio Ermanno Casoli, STEP Beyond Prize, OnBoard Prize, Thalie Art Foundation Prize, VISIO Young Talent Acquisition Prize, Eneganart Prize, Illy Scholarship for Unidee, Fondazione Pistoletto, nctm e arte, m- programma cult media e tecnologia, menzione speciale per Arte, Patrimonio e diritti umani, Premio Antworks, Premio Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Premio Fondazione Lerici, Movin'up.

Snow Dragon è il nome di una delle navi rompighiaccio che la Cina ha progettato per percorrere la cosiddetta 'rotta della seta polare', la nuova rotta commerciale che sta emergendo nell'Artico con lo scioglimento dei ghiacciai, e che ha forti interessi commerciali ed estrattivi soprattutto tra Cina e Islanda.

Questa rotta accorcerà il viaggio di navigazione di 15 giorni rispetto a quella tradizionale

passaggio attraverso il Canale di Suez. Con questo progetto Elena Mazzi intende proseguire una riflessione nata dopo una residenza in Islanda nel 2018, analizzando l'impatto che il cambiamento climatico provoca a livello geopolitico oltre che geologico.

Daniele Milvio (Genova, 1988) Decisamente Pascoliano, 2019 argilla, colore acrilico, cera, anilina, legno, metallo, garza, gesso, resina, inchiostro e acquerelli su carta, 33 x 25 x 6 cm

P: «il fatto del terzo stato ti ha sempre trovato molto sospettoso» B: «e lo so... ma io per carità... vogliamo fare un dossier? "Era diffidente nei confronti del quarto stato." inseriscilo »P:« sulla terza »B:« si si sulla terza. sul quarto sono abbastanza incline. ma può essere incluso nel dossier. prendi nota." P: «sicuro», 2019 argilla, legno, metallo, resina, garza, gesso, cera, acquarelli su carta, 48 x 32 x 15 cm

Casina delle Civette, 2020 argilla, colore acrilico, cera, anilina, legno, metallo, garza, gesso, resina, inchiostro e acquerelli su carta, 26 x 17 x 5,5 cm

Daniele Milvio è nato nel 1988 a Genova, oggi vive tra Milano e Ansedonia. Milvio si è diplomato all'Accademia di Brera a Milano. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre nazionali e internazionali, ricordiamo la mostra personale Die besten Jahre unseres Lebens, Weiss Falk, Basilea, A Milano non si usa, Federico Vavassori, Milano e Mille Furie, Downs & Ross, New York. L'artista dichiara: “Le cornici di queste opere sono nate in modo molto semplice. Inizialmente erano l'armatura dei disegni che sentivo il bisogno di mostrare, spesso a distanza di anni dalla loro produzione. Nella pratica del disegno, in virtù della sua velocità, viene svolta ricerca e sviluppo che rallenterà l'alternanza di soli lavori finiti. È nel disegno che compaiono per la prima volta le novità iconografiche, e sempre nel disegno si manifestano quelle apparenti incongruenze evolutive che contribuiscono al rinnovamento genetico della pratica. Disegni recenti che ho deciso di inquadrare ritraggono denti molari, all'interno dei quali si svolgono scene di studio, riposo, appostamento. Tempo fa in un manoscritto vidi dei disegni che illustravano figurativi abitanti dei denti, capaci di prendere il controllo della mente del sofferente. Carie molto invasiva, è facile trovare aspetti di sensualità in un dolore cerebrale così”.

Ad Minoliti (Buenos Aires, 1980) Queer Deco, 2016 stampa digitale su tela, 140 x 100 cm

Victorian Madi 5, 2017 acrilico su tela / acrilico su tela 200 x 165 cm

Ad Minoliti è nata in Argentina nel 1980. Vive e lavora in Messico. Gli immaginari digitali si fondono con la teoria queer nei suoi dipinti e installazioni. Nel 2018 ha ricevuto la menzione speciale in occasione del premio illy Present Future di Artissima. Nello stesso anno ha avuto l'opportunità di approfondire la sua ricerca attraverso una residenza presso la Kadist Foundation di San Francisco, che si è conclusa con la mostra personale The Feminist School of Painting nel 2018. Nel 2019 Minoliti è stata invitata da Ralph Rugoff a prendere parte a la 58 Biennale di Venezia. L'artista è stato inviato per creare una grande mostra personale alla Kunsthalle Lissabon, Lisbona nel 2020.

Basata sulla teoria queer e ispirata alla geometria, l'artista argentina Adriana “Ad” Minoliti reinventa le relazioni spaziali e sessuali tra i corpi, sperimentando stili formali interposti a forme audaci. Utilizzando materiali diversi in configurazioni inaspettate, Minoliti oscura le implicazioni di forme riconoscibili. Sebbene la pittura e le installazioni siano vibranti e giocose, l'opera è una riflessione precisa sulle restrizioni imposte ai corpi queer, offrendo critiche al mondo costruito, ma anche proponendo alternative creative. Minoliti individua e sfida i limiti artificiali dell'identità e dello spazio, enfatizzando atteggiamenti esplorativi piuttosto che esclusivi nei confronti della sessualità e del genere.

Francis Offmann (Butare, 1987) Untitled (Untitled), 2019 acrilico, inchiostro, carta e gesso bolognese su cotone, 160 x 138,5 cm

Untitled (Untitled), 2019 acrilico, inchiostro, carta e gesso bolognese su juta, 114 x 206 cm

Untitled (Untitled), 2020 acrilico, inchiostro, carta e gesso bolognese su cotone, 107 x 207,5 cm

Francis Offman (Butare, Ruanda, 1987). Si è trasferito in Italia nel 1999. Vive e lavora a Bologna. Dopo aver studiato Scienze dell'Amministrazione all'Università degli Studi di Milano, si trasferisce a Bologna per iscriversi all'Accademia di Belle Arti dove frequenta il corso di pittura con Luca Bertolo. Nel 2018-2019 ha partecipato a diverse mostre collettive tra cui Viaggi erranti, distrazioni da una meta in occasione dell'Open Tour 2018. Nello stesso anno ha partecipato al Q-Rated Workshop di Nuoro organizzato dalla Quadriennale di Roma. Nel 2020 partecipa alla YGBI Research Residency organizzata da Black History Month Florence presso l'Ontario College of Art and Design di Firenze. È tra gli artisti selezionati di Mediterranea 19 - Biennale Giovani Artisti (San Marino, 2021). Ad ottobre 2020 aprirà una mostra personale presso MA*GA (Gallarate).

Le opere di Francis Offman sono tele (non incorniciate) dai contorni irregolari, dipinti che nascono attraverso l'associazione di parti (o porzioni) di colori vividi, piatti e uniformi, e aree realizzate in collage con l'inserimento di brandelli di carta - carta sottile e più spessa , recuperati da involucri di pane o scatole di scarpe - che entrano nella composizione come frammenti o ferite; un incontro che solo occasionalmente può far emergere elementi riconducibili alla realtà: un albero secco, una montagna, una porzione d'acqua, terra o cielo. Le libere composizioni dell'artista sono alla base di riferimenti fragili, minimali e modesti, a un mondo lontano (Africa e Rwanda, dove l'artista ha trascorso parte della sua infanzia) e alle sue abitudini, un ricordo traumatico e un'identità incerta, spazi frastagliati e vivi che non può dare vita a un paesaggio organico.

Seth Price (Jerusalem, 1973) Untitled (Untitled), 2018 7 collage di foto con polimero acrilico colorato, 24,1 x 21,6 cm; 31,1 x 17,8 cm; 22,9x21 cm; 24,8 x 21,6 cm; 31,1 x 29,9 cm; 31,1 x 29,8 cm; 21,6 x 24,1 cm

Seth Price utilizza ogni tipo di medium, dalla scultura al film, dal web design alla musica, per scandagliare l'infinita flessibilità del mondo digitale, la sua immaterialità totalizzante, e per introdurre processi di attrito e sospensione tra produzione e dispersione, immagine e sostanza. Nel gennaio 2019, il Guggenheim ha presentato il video Redistribution. Nel 2017-2018, Seth Price ha presentato la mostra Social Synthetic allo Stedelijk Museum di Amsterdam, nei Paesi Bassi, che ha poi visitato al Brandhorst Museum, Monaco, Germania. La sua mostra Danny, Mila, Hannah, Ariana, Bob, Brad è stata esposta al MoMA Ps1 nell'estate del 2018. La sua più recente mostra Hell Has Everything è stata vista alla Petzel Gallery nel novembre 2018 - gennaio 2019.

In occasione dell'inaugurazione di Villa Cerruti, l'artista presenta Untitled (Untitled), 2018, opera composta da sette foto-collages mai esposti finora al Castello di Rivoli. Catturati con un obiettivo controllato da un software, scatti ad altissima risoluzione di porzioni di pelle umana compongono le stampe fotografiche sulle quali l'artista ha sovrapposto, strappandole e spostandole, pezzi di pellicola acrilica colorata.

Mathilde Rosier (Parigi, 1973) Blind Swim 5, 2016-2017 olio su tela, 212 x 110 cm

Mathilde Rosier è nata nel 1973. Vive e lavora a Parigi. La sua produzione artistica spazia dalla pittura alla performance, dalla musica al video, evocando un viaggio tra regni che si avvicinano all'inconscio. Le sue recenti mostre e performance sono state presentate alla Fondazione Guido Ludovico Luzzatto di Milano nel 2018 e all'Armory Show di New York, 2017. Nella primavera del 2018 l'opera di Rosier è stata parte di Metamorphosis - Let it all accadrà a te al Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea a cura di Chus Martinez. Dopo l'acquisizione da parte della Fondazione CRC, l'opera di Rosier è stata inclusa anche nella collezione della Kadist Art Foundation di Parigi; Collezione Julia Stoschek di Düsseldorf; USB Art Collection di Zurigo.

Le figure di Mathilde Rosier celebrano il rovesciamento di tutti gli ordini che conosciamo con una grazia che appare quasi demoniaca, soprannaturale. Si alzano a testa in giù con una naturalezza che sostituisce l'artificialità delle nostre vite precedenti “a terra”. Invocano, dall'alto, l'importanza dell'alto. Vediamo il mondo dal punto di vista di questi protagonisti capovolti e sentiamo la loro condizione gioiosamente assurda.

Questo semplice capovolgimento rappresenta la lunga ricerca di Rosier sulla possibilità di introdurre semplici rituali nel cuore del suo lavoro. È interessata ad esplorare una forza, una pulsazione, una vibrazione, un movimento, un ritmo, la produzione di una durata che si dispiega all'interno di tutti i dipinti, spettacoli o film che sono in grado di sfidare la melodia della storia.

Soggetto danzante, 2016 olio su tavola, 39,5 x 64,5 cm

Alcova, 2017 olio su tavola, 48 x 58 cm

I Cenci, 2017 olio su tavola, 74 x 49 cm

Giangiacomo Rossetti è nato nel 1989. Vive e lavora a New York. Il suo lavoro si basa sulla pittura e il suo soggetto è la tensione tra il presente e il passato. In seguito all'acquisizione delle sue opere da parte della Fondazione CRC, Rossetti ha presentato la sua mostra personale Bones of the Men (2019), presso Mendes Wood a Bruxelles; Techniques of the Observer (2019), al Green Naftali di New York.

Maestri del Rinascimento, Arnold Böcklin ei Preraffaelliti, sono alcune delle idee all'origine delle opere di Rossetti. A volte ridipingendo questi soggetti accuratamente studiati, l'artista ne rivendica la proprietà e riconfigura queste acclamate composizioni abitandole con la propria presenza.

Il suo gesto infiltrante fa rivivere le immagini della storia e le svuota del loro significato originario. Di volta in volta, l'artista sviscera e ricontestualizza l'idolatria della pittura.

Giuliana Rosso (Torino, 1992) Gioco, 2017 olio su tela, 190 x 140 cm

Trasmutazione, 2020 olio su tela, 80 x 80 cm

Giuliana Rosso è nata a Torino nel 1992 dove attualmente vive e lavora. Nei suoi dipinti, a volte molto grandi, altre piccoli e minuziosi, esplora la rappresentazione di scene oniriche e mondi fantasiosi, che spesso si mescolano alla cultura popolare. Il sogno e la fantasia, tradotti in quadri dai colori scuri di origine nordica, portano lo spettatore a perdersi in un'atmosfera contemplativa verso la fuga dalla realtà.

La pratica di Giuliana Rosso è una continua ricerca sugli angoli nascosti della coscienza umana. La sua indagine pittorica non è esplicita e le narrazioni che evoca sono misteriose e allusive. Con interessi che spaziano dai racconti locali, al simbolismo e ai fumetti, Rosso decodifica i suoi sogni e le sue visioni e li traspone su tela, rappresentando realtà ultraterrene abitate da spiriti e presenze inspiegabili. I lavori di Rosso con materiali come tela e carta, spesso con contaminazioni tridimensionali, in una continua ricerca della relazione tra se stessa, il suo lavoro e lo spazio (digitale, in questo caso).

NUS (NOC / NUT), 2012 polistirene, acciaio, foglio di alluminio, legno, corda, gesso, lacca e noci, 180 x 250 x 62 cm

Lin May Saeed è nata nel 1973 a Würzburg, in Germania. Vive e lavora a Berlino. Partendo dalla presunta supremazia che l'essere umano impone al regno animale, l'opera di Saeed sembra essere il perfetto monito tridimensionale e pittorico della nostra tragica storia, fatta di estrattivismo e consumo. Dopo aver partecipato alla mostra Metamorphosis - Let it all happening to you al Castello di Rivoli nel 2018, nel 2019 May Saeed ha presentato il suo lavoro al What Pipeline di Detroit, ed è stato anche incluso nella mostra collettiva City Prince/sses curata da Chris Sharp alla galleria LULU di Città del Messico.

Lin May Saeed sviluppa uno studio sui miti delle antiche civiltà e sulla loro influenza sul pensiero moderno. L'artista ha ricreato figure che evocano l'immagine della Mesopotamia. In Nus utilizza il polistirolo espanso, le cui qualità strutturali - facile da scolpire e molto leggere - sono in netto contrasto con l'immagine tradizionale del bassorilievo, in cui gli elementi sono scolpiti su uno sfondo "solido". Attraverso forme, materiali e colori che rappresentano il passato, l'artista guarda alla storia, ma anche al modo in cui la sua memoria influenza il nostro giudizio presente.

Untitled (Untitled), 2017 vernice spray, pastelli, nastro di carta e resina epossidica su pannello di legno, 200 x 150 x 6 cm

Untitled (Untitled), 2017 vernice spray, pastelli, nastro di carta e resina epossidica su pannello di legno, 150 x 100 x 6 cm

Erik Saglia è nato nel 1989. Vive e lavora a Torino. Saglia parte dai risvolti della "rete modernista". L'uso di materiali, vernice spray, nastro e resina sintetica, rinnova il concetto di superficie, eliminando ogni aspetto biografico e pop, ricollegando l'opera di Saglia alla ricerca spaziale di Lucio Fontana e alla lezione di Alighiero Boetti. In seguito all'acquisizione delle sue opere da parte della Fondazione CRC, Erik Saglia ha partecipato a mostre internazionali: SABAUDADE (2019), Las Palmas, Lisbona; Pregenesi (2018), Palazzo Lancia, Torino; Formazione n. 1, Base, Francoforte.

La ricerca di Erik Saglia si fonde anche con il rito della pratica permettendo la formazione di un codice visivo che dia immediata riconoscibilità al suo lavoro. La pittura astratta che ne risulta non può infatti essere decodificata attraverso la narrazione di episodi legati alla biografia dell'artista o attraverso riferimenti all'odierna digitalizzazione della fruizione visiva. La chiave di lettura sembra risiedere nella fitta sovrapposizione di processi che compongono la rigorosa produzione delle sue opere. La competizione quasi 'terapeutica' esercitata da Saglia genera una speciale autonomia stilistica costruita attraverso la ricerca di un equilibrio tra colori, linee e ritmo. Questa pratica e il rituale che le dà forma generano un particolare automatismo nella tecnica di produzione che permette all'artista di dimenticare se stesso per dare spazio all'opera e, proprio in quest'ultimo intervento, sottolineare la natura dello spazio espositivo nella sua funzione di contenitore . .

Untitled (1429) (Untitled - 1429), 2014 stampa a pigmenti su carta montata su alluminio, 68,5 x 103,5 cm

Senza titolo (8974) (Senza titolo - 8974), 2018 stampa UV su travertino, 92 x 68 cm

Elisa Sighicelli è nata a Torino nel 1968. Vive e lavora a Torino. Dall'autunno 2017 all'estate 2018, Sighicelli mette in dialogo arte antica e contemporanea in Doppio Segno, progetto espositivo presentato nelle sale di Palazzo Madama a Torino. Naturale prosecuzione di questo progetto è che nel 2019 la personale Storie di Pietròfori e Rasomanti ha ospitato Villa Pignatelli-Casa della fotografia. Nell'ottobre 2019 il Castello di Rivoli ha presentato al pubblico la sua ultima commissione Lumenombra Lumenicta, in occasione del progetto Dagli artisti: dalla casa al museo, dal museo alla casa Omaggi alle opere della Collezione Cerruti. Capitolo 3 di Marcella Beccaria.

L'artista usa la fotografia per lavorare sulla fotografia. Quando Elisa Sighicelli lavora con la fotografia non riproduce la realtà, ma la osserva per includerla nel suo lavoro, affrontando distorsioni ottiche indotte, da sedimentare.

Dice l'artista: “Per me è importante che questa visione abbia un materiale che le corrisponda. Quale materiale useresti come supporto per rendere l'instabilità e la fluidità del riflesso di uno specchio? Il raso funziona bene, è molto luminoso e al tuo passaggio risponde muovendosi, attivando la vita dell'immagine e mettendo in discussione la tua concentrazione e percezione. "

Explaining Dance to a Machine #07 (esercitazione ritmica), 2016 grafite, encausto e pigmento su carta, 260 x 114 cm

Explaining Dance to a Machine # 16 (gesti profondi delle gambe), 2016-2017 grafite, encausto e pigmento su carta, 260 x 114 cm

Ania Soliman è nata nel 1970. Artista egiziana/polacca/americana cresciuta a Baghdad, attualmente vive a Parigi. Crea disegni su larga scala basati su immagini digitalizzate e materiale d'archivio, lavorando anche con testi, performance, video e installazioni. La sua pratica basata sulla ricerca si concentra sulle relazioni, sia reali che immaginarie, tra natura e tecnologia. Attraverso processi di tracciatura, desaturazione, sbavatura, colorazione e abbellimento, trasforma i materiali originali in disegni a strati che spesso ripetono un motivo poiché rappresentano il processo di elaborazione di idee contrastanti. Le sue opere fungono da icone per le negoziazioni inconsce tra i nostri corpi e i linguaggi culturalmente determinati che occupano le nostre menti. Il lavoro di Soliman è stato esposto al Castello di Rivoli, Torino (2018), al Museum der Moderne di Salisburgo (2016), al Museum of Contemporary Art di Anversa (2015), alla Whitney Biennial (2010), alla 14° Istanbul Biennale (2015), il Museum der Kulturen di Basilea (2014) e il Drawing Center di New York (2000), tra le altre sedi, e di recente conferenze-performance al Global Art Forum di Dubai e Singapore. Nel 2010 le è stata assegnata la residenza Laurenz-Haus a Basilea, in Svizzera.

“Questo lavoro riguarda il punteggio, le prestazioni e l'intelligenza artificiale. Sono interessato a sviluppare idee del corpo come macchina, della mente che corre su script e usando il mezzo della coreografia (che organizza) i nostri movimenti, per pensare al potenziale liberatorio di muoversi in modi insoliti ", afferma l'artista.

Nel suo lavoro Explaining dance to a machine, Soliman guarda alla danza come al corpo umano nello spazio e nel tempo, sia storicamente che futuristicamente come fantascienza. Il progetto consiste in una serie di disegni su larga scala di spartiti di danza basati su un sistema di notazione inventato dal coreografo e artista di danza ungherese Rudolph von Laban. Il progetto è il risultato di un'ampia ricerca precedente e di mostre incentrate sui concetti di corpo e mente. Il suo interesse per questo argomento è emerso da una mostra che ha fatto con una collezione di antropologia a Basilea. Da allora, l'artista ha continuato a confrontarsi con concetti di valore, osservando come gli oggetti - compreso il corpo come oggetto - vengono prodotti in diversi sistemi di scambio. Ispirato dal robot come espressione di oggettivazione, Soliman intende lavorare in collaborazione con un laboratorio di robotica per programmare la danza di un cane robot.

Victoria Stoian (Chișinău, 1987)

Terremoto Codri 17'', 2016 acrilico su tela, 90 x 170 cm

Nistru confina 76 km, 2017 acrilico su tela, 100 x 100 cm

Victoria Stoian è nata a Chișinău in Moldavia nel 1987. Dal 2009 vive e lavora a Torino. Nel marzo 2015 si laurea in Storia dell'Arte Contemporanea presso l'Accademia Albertina di Belle Arti di Torino con la tesi La collezione Vogel.

Tra le mostre personali ricordiamo quelle alla Galleria Alberto Peola nel 2015 e 2018 e allo Studio la Città, Verona, nel 2015.

Nistru-Confines è una serie di opere in corso di Victoria Stoian. Una volta completata, la serie comprenderà circa 400 dipinti e sculture che ripercorreranno chilometro dopo chilometro il lungo confine, segnato dal fiume Nistru, che separa la Moldavia dalla regione secessionista della Transnistria, autoproclamatasi indipendente nel 1990.

Stoian racconta una storia di confine, guerra e abbandono. La conseguente instabilità politica e territoriale e il conseguente collasso economico portarono ad un graduale e costante spopolamento della Moldova.

Nella serie Codri Earthquake (2013/2017) l'artista dà vita a quella che potrebbe essere definita una mappa sismica in cui descrive secondo per secondo la sensazione di caos e instabilità provocata dal terremoto che ha colpito la Moldova nel 2011 e che ha gravemente danneggiato le foreste di Codri. Come dice l'artista, “in un terremoto il primo secondo può essere della stessa violenza dell'ultimo. Anzi, forse il primo impatto è ancora più forte e destabilizzante”. Per questo motivo la serie si sviluppa con un andamento cronologico, ma le singole opere non riportano la violenza del terremoto in successione crescente: ogni quadro rappresenta un possibile grado di percezione della catastrofe, che non necessariamente corrisponde al suo reale grado di intensità.

Left Handed (Half-life), 2018 olio, acrilico, carta d'archivio, inchiostro, polimero acrilico e primer gommalacca, 40,6 x 50,8 cm

Sarah Sze è nata a Boston nel 1969, vive e lavora a New York. Le sue strutture tentacolari si intrecciano con proiezioni di immagini, a volte personali ea volte generiche. Il suo lavoro è incluso in alcune delle più importanti collezioni pubbliche e private del mondo, tra cui il Guggenheim Museum di New York; il Museum of Modern Art di New York; Il Nuovo Museo; Whitney Museum of American Art; il Museo d'Arte Contemporanea di Chicago; il Museo d'Arte del 21° secolo a Kanazawa; il Walker Art Center di Minneapolis; il Museo delle Belle Arti di Boston; l'High Museum of Art di Atlanta; la Tate Collection di Londra e il Museo di Arte Contemporanea di Los Angeles. Nel 2019 la Tate Modern di Londra presenta il suo lavoro Seamless (1999) e nel 2020 partecipa a Surrounds: 11 Installations al Museum of Modern Art di New York.

Nelle sue opere estremamente complesse, dove i cambi di scala spesso sfidano ogni logica, l'artista indaga il rapporto della scultura con il tempo e lo spazio e della parte con il tutto. Intricati sistemi di elementi uniscono costellazioni di immagini su più dimensioni, come i diorami atomici o l'apocalisse del regno digitale. Centrale nella poetica di Sze è l'enfasi su ciò che è periferico, come le numerose immagini e gli oggetti spesso trascurati che esistono ai bordi di schermi, finestre, scrivanie e corpi. Lavorando su una scorta inesauribile di materiale tratto dalla vita quotidiana, Sze analizza l'aspetto e la natura di tutto ciò con cui entra in contatto e lavora per proteggerli, alterarli o amplificarli. Allo stesso modo, le sue immagini, selezionate tra innumerevoli fonti primarie e secondarie, cambiano al passaggio dallo schermo, adattandosi a qualsiasi altra forma di supporto fisico, o semplicemente manifestandosi come luce. Recentemente Sze ha adattato la sensibilità del suo linguaggio scultoreo alle caratteristiche del supporto piano in una serie di dipinti su tavola. Con strati delicati ma corposi di pittura, inchiostro, carta, stampe e oggetti, le tre dimensioni della scultura aderiscono alla bidimensionalità del collage. Superfici statiche, schizzi di vernice e vortici cosmici emergono dal materiale d'archivio e dal lavoro quotidiano dell'artista nel suo studio in infinite mutazioni visive che si scontrano e si sovrappongono in un'abbondanza di dettagli.

37 Km di patrimonio, 2016 pietre, terra, legno e plastica in vasetti di vetro a bordo, 67,5 x 264 cm

Paolo Turco è nato a Cuneo nel 1981. Vive e lavora a Mondovì. Ha studiato all'Accademia Albertina di Belle Arti di Torino, alla Scuola di Pittura del Professor Gaetano Grillo.

37 Km di patrimonio, è un tratto paesaggistico incentrato sul bacino del torrente Corsaglia nel punto di affluenza con il fiume Tanaro. L'artista raccoglie e cataloga terre, pietre, ceneri, residui vegetali, rifiuti abbandonati. Successivamente li polverizza e li ordina secondo le loro sfumature, i sedimenti vengono poi racchiusi in piccoli contenitori di vetro e trasformati in minime unità di colore. Con questi "pixel analogici" di materia, l'immagine del luogo in esame viene poi ricomposta in una trama regolare. Nelle opere di Turco il primo passo è la scoperta di un luogo. Questo è il punto di partenza per la raccolta delle tracce in cui si deposita la consistenza fisica del sito: terra, sassi, ceneri, residui vegetali. Macinati e ordinati secondo le loro sfumature, i sedimenti vengono poi rinchiusi in contenitori di vetro, e trasformati in minime unità di colore. Con questi "pixel" di colore l'immagine fissata all'inizio viene ricomposta in una texture regolare. I mezzi utilizzati per rappresentare il paesaggio sono quindi presi dal paesaggio rappresentato; il luogo fornisce non solo il punto di partenza concettuale dell'opera, ma anche i mezzi tecnici. La natura viene presentata e rappresentata allo stesso tempo e viene annullata la distanza che tradizionalmente separa l'oggetto dalla sua rappresentazione. Siamo di fronte alla coesistenza tautologica di elementi fisici e astratti, ei luoghi evocati da questi mosaici di vetro e polvere appaiono allo stesso tempo molto vicini e sfuggenti.

Alice Visentin (Ciriè, Torino, 1993) Ida in posa, 2017 olio su tela, 130 x 150 cm

Irene, 2017 olio su tela, 200 x 250 cm

Milloss da Ozora, 2017 olio su tela, 200 x 250 cm

Alice Visentin è nata nel 1993. Vive e lavora a Torino. Il dipinto per lei è una pausa dalla quotidianità. Tra le mostre collettive: If It Is Untouchable It Is Not Beautiful, Monitor Gallery, Roma, 2019; Hypnagogia, Galleria Nevven, Götebrog, 2019; Day in, Day out, Tile Project Space, Milano, 2018; Ibrido, Castello di Perno, Monforte D'Alba, 2018; Sauvage, Dom, Palermo, 2018; Showroom, Francoforte, 2018. Nel settembre 2019 ha preso parte all'Alba Congress For an Imaginist Renewal of the World, a cura di Carolyn Christov Bakargiev e Caterina Molteni. A seguito dell'acquisizione delle sue opere da parte della Fondazione CRC nel 2017, le sue opere sono state acquisite anche dal Museo Ettore Fico nel 2019. Nel 2019 Visentin è tra i vincitori del Premio AccadeMibac promosso dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali (DG AAP Mibac).

L'artista dichiara: “Dipingo ad olio da quando ho iniziato a dipingere. Tra i campi che dividono i paesi del Canavese, nei pressi di una ferrovia, ho trovato un commerciante di ottime marche di colori. Ci vado solo. I miei formati, invece, nascono da una necessità: il formato più piccolo era il formato più grande che riuscivo a tirar fuori dalla mia cantina e il formato più grande è il formato più grande che riuscivo a tirar fuori dalla porta del mio attuale studio. Ho iniziato a dipingere uomini quando ho capito che mi sentivo disperatamente solo nella cantina buia dove ho iniziato a dipingere. Ma non conosco la linea che divide la figurazione dall'astrazione. La pittura occupa tutto il mio tempo, voglio che dentro si percepiscano malinconie inguaribili, saggezza e ricordi lontani. Di solito parlo con gli oggetti e con il vento e tutto ciò che faccio è il succo di numerose conseguenze. Voglio girare il mondo con occhi limpidi e attenti e con orecchie sensibili e disponibili. Poi quando nasce il quadro ha una storia e io gli do un nome. Troverà la sua strada, sa dove andare".

Velour viola, 2017 olio su tela, 120 x 100 cm

Xa Zadie è nata a Vancouver. Vive e lavora a Londra. Mostre e performance recenti includono: Child of Magohalmi and the Echos of Creation allo Yarat Contemporary Art Space; Still I Rise: Feminism, Gender, Resistante Act 3, presso Arnolfini di Bristol; Radicale amore per se stessi; Grandmother Mago (2019) in occasione della 58a Biennale di Venezia a cura di Ralph Rugoff.

Attraverso performance, video, dipinti e tessuti, l'artista Zadie Xa esplora la sovrapposizione e la fusione di culture che informano le identità e le nozioni di sé. I lavori più recenti ruotano attorno a rappresentazioni e percezioni dell'Alterità mediate dalla cultura popolare, con particolare attenzione all'hip-hop. Le sue opere sono luoghi per esplorare la costruzione dell'identità contemporanea e della performance attraverso campionamenti culturali, informati dalla sua esperienza all'interno della diaspora asiatica. Le immagini tratte dalla natura, comprese l'acqua e le ecologie marine, sono metafore per esplorare l'ignoto, alludendo anche a nozioni astratte di patria.

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